Chi è Ilaria Panci?

Moltissimo. La forma più estrema e più pura d’arte per me è la natura. Vivere per tantissimi anni a stretto contatto con essa, senza pareti e senza confini mentali, mi ha insegnato prima di tutto a osservarla, a essere paziente e poi a lasciarmi ispirare.

La permacultura sociale osserva per il bene dell’individuo e del collettivo e, a volte, mi sono sentita assolutamente parte di questo concetto ma attraverso l’arte visuale. Oltre alla natura, ho avuto l’opportunità di collaborare e vivere a contatto con diversi progetti e residenze artistiche che mi hanno fatto conoscere tante realtà e mi hanno fatto capire che l’arte, per me, è una forma di occupare il mio tempo di cui non riuscirò mai a sbarazzarmi, nemmeno nei momenti di crisi più profonda.

Mia nonna materna e mia madre hanno sempre utilizzato la fotografia come mezzo per comunicare e rappresentare la nostra famiglia. Io ho semplicemente continuato a fare quello che facevano loro.

Da sempre sono quella persona in un gruppo che scatta foto e che, soprattutto, le condivide con i rispettivi protagonisti immortalati. Credo di avere una missione di vita abbastanza chiara: creare ricordi e aiutare le persone ad accendere la loro creatività.

El Dragón de la Calderona è un centro di ricerca d’arte nella natura creato da Rhea Marmentini, vicino a Valencia.

Fino ad ora è stato il progetto artistico più grande di cui mi sia occupata. È difficile descrivere cinque anni di residenza artistica in poche righe. A grandi linee posso dire che è stato come essere parte di un esperimento sociale in cui credere che tutto è possibile rende tutto possibile.

In più, è stato il luogo per eccellenza in cui ho stravolto molte delle mie convinzioni personali e artistiche e dove, finalmente, ho lasciato da parte il mio perfezionismo, abbandonandomi allo sperimentale e al non giudizio.

Nelle tecniche più sperimentali che abbraccio, mi interessa soprattutto testare il mio livello di pazienza e di distacco dal risultato. È un modo per praticare l’inclusione dell’errore e del non controllo all’interno del mio processo creativo.

La cianotipia, per me, è una tecnica molto minimal che mi ha dato l’opportunità di poter stampare in maniera autonoma e analogica anche essendo nomade.

Pochi materiali e infinite interpretazioni della stessa immagine mi hanno avvicinata alla possibilità di alterare la realtà e, in qualche modo, al surrealismo.

Durante il workshop i partecipanti potranno sperimentare direttamente questo processo, giocando con la luce, gli oggetti e le forme e scoprendo quanto possa essere imprevedibile il risultato finale.

La solarigrafia per me è pura magia e la dea dell’upcycling. Con una lattina riesco a catturare il passaggio apparente del sole nella volta celeste. So quello che faccio, ma allo stesso tempo non riesco nemmeno io a capacitarmene. Il risultato potrebbe anche non esserci. Ed è proprio questo uno degli aspetti che mi lega di più a questa tecnica.

Quello che mi interessa è anche il senso di collettività che riesco a creare intorno a questa pratica antica e sperimentale di osservazione e contemplazione del sole, che diventa il vero protagonista.

L’essere umano, per una volta, non è al centro dell’universo: si muove troppo velocemente e quindi non viene registrato nell’immagine.

Credo fortemente che introdurre un gruppo di esseri umani all’arte sperimentale faccia, di conseguenza, accendere la loro creatività. Questo ha un effetto positivo sul modo di imparare a pensare fuori dagli schemi e
stimola il bisogno di avere un contatto umano e collettivo. Un’IA non può aver sperimentato qualcosa di così primordiale e manuale. Credo nella connessione tra menti creative.